Histoire du cubisme

Histoire du cubisme

Le cubisme est un mouvement artistique, créé par Pablo Picasso et Georges Braque, qui utilise des formes géométriques dans des représentations de formes humaines et autres. Au fil du temps, les touches géométriques sont devenues si intenses qu'elles ont parfois dépassé les formes représentées, créant un niveau d'abstraction visuelle plus pur. Bien que l'ère la plus puissante du mouvement ait été au début du 20e siècle, les idées et les techniques du cubisme ont influencé de nombreuses disciplines créatives et continuent d'informer le travail expérimental.

LA PREMIÈRE ÈRE DU CUBISME

Pablo Picasso et Georges Braque se sont rencontrés pour la première fois en 1905, mais ce n'est qu'en 1907 que Picasso a montré à Braque ce qui est considéré comme le premier tableau cubiste, Les Demoiselles d'Avignon. Ce portrait de cinq prostituées est fortement influencé par l'art tribal africain, auquel Picasso avait récemment été exposé au Palais du Trocadéro, musée ethnographique parisien.

Brisant presque toutes les règles de la peinture occidentale traditionnelle, l'œuvre était un énorme bond par rapport à ses précédentes périodes bleues et roses, qui étaient beaucoup plus figuratives et émotionnelles. Picasso hésitait à montrer l'œuvre au public et elle est restée invisible jusqu'en 1916.

Braque, qui a peint dans le mouvement fauviste, a été à la fois repoussé et intrigué par la peinture. Picasso a travaillé avec lui en privé sur les implications de la pièce, développant ensemble la forme cubiste. Braque est le seul artiste à avoir jamais collaboré avec Picasso, et sur une période de deux ans, ils ont passé toutes les soirées ensemble, sans qu'aucun artiste ne prononce une œuvre terminée jusqu'à ce que l'autre soit d'accord.

La réponse de Braque au travail initial de Picasso était sa peinture de 1908 Grand Nu, noté pour incorporer les techniques de Paul Cézanne comme une influence qui donne à réfléchir. Ainsi commença la première ère du cubisme, connue sous le nom de cubisme analytique, qui était définie par des représentations d'un sujet à partir de plusieurs points de vue à la fois, créant un effet fracturé et multidimensionnel exprimé à travers une palette de couleurs limitée.

Le terme cubisme a été utilisé pour la première fois par le critique français Louis Vauxcelles en 1908 pour décrire les peintures de paysages de Braque. Le peintre Henri Matisse les avait précédemment décrits à Vauxcelles comme semblant composés de cubes. Le terme n'a pas été largement utilisé jusqu'à ce que la presse l'ait adopté pour décrire le style en 1911.

En 1909, Picasso et Braque ont réorienté leur attention des humains vers les objets pour garder le cubisme frais, comme avec Braque Violon et Palette.

D'AUTRES REJOIGNENT LE MOUVEMENT CUBISTE

Une exposition plus large a amené d'autres au mouvement. L'artiste polonais Louis Marcossis a découvert le travail de Braque en 1910, et ses peintures cubistes sont considérées comme ayant une qualité plus humaine et une touche plus légère que les œuvres des autres.

L'artiste espagnol Juan Gris reste en marge du mouvement jusqu'en 1911. Il se distingue en refusant de rendre l'abstraction de l'objet plus essentielle que l'objet lui-même. Gris est décédé en 1927 et le cubisme représente une partie importante de l'œuvre de sa vie.

Le peintre français Fernand Léger a d'abord été influencé par Paul Cézanne et lors de sa rencontre avec des praticiens cubistes, il a adopté la forme en 1911, en se concentrant sur des sujets architecturaux.

Marcel Duchamp flirte avec le cubisme à partir de 1910 mais est souvent considéré comme en porte-à-faux avec lui. Son célèbre tableau de 1912, Nu descendant un escalier (n° 2), reflète l'influence mais présente une figure en mouvement. Typiquement dans les œuvres cubistes, le spectateur est plus en mouvement, car la perspective présentée sur la toile est constituée de plusieurs plans, comme si l'artiste se déplaçait autour du sujet et capturait toutes les vues dans une seule image.

LA SECONDE ÈRE DU CUBISME

En 1912, Picasso et Braque avaient commencé à incorporer des mots dans les peintures, qui ont évolué vers les éléments de collage qui dominent la deuxième ère du cubisme, connue sous le nom de cubisme synthétique. Cette phase a également été marquée par l'aplatissement des sujets et l'éclaircissement des couleurs.

Braque a ensuite expérimenté le collage, ce qui a conduit à sa création de la technique du papier collé, vue dans les années 1912. Plat de fruits et verre, un mélange de papier peint placé dans la gouache. L'introduction du collage a encore élargi la palette de couleurs de la forme.

Les sculpteurs ont également exploré les formes cubistes. L'artiste russe Alexander Archipenko a exposé pour la première fois publiquement en 1910 aux côtés d'autres cubistes, tandis que le réfugié lituanien Jacques Lipchitz est entré en scène en 1914.

CUBISME ORPHIQUE

Un mouvement dérivé nommé Orphic Cubism centré sur le collectif Puteaux Group. Formé en 1913 par le peintre français Jacques Villon et son frère, le sculpteur Raymond Duchamp-Villon (tous deux frères de Marcel Duchamp), cette branche a adopté des teintes encore plus vives et une abstraction augmentée.

Robert Delaunay est considéré comme une représentation principale de cette aile, partageant des intérêts architecturaux similaires à ceux de Léger, qu'il a appliqués à plusieurs reprises aux représentations cubistes de la Tour Eiffel et d'autres structures parisiennes notables.

D'autres membres Roger de la Fresnaye et André Lhote considéraient le cubisme non pas comme une subversion de la norme mais plutôt comme un moyen de ramener l'ordre et la stabilité à leur travail, et se sont inspirés de Georges Seurat. Le tableau le plus connu de De la Fresnaye, années 1913 La conquête de l'air, est un autoportrait cubiste de lui et de son frère dans une montgolfière.

CUBISME : PREMIÈRE GUERRE MONDIALE ET AU-DELÀ

La Première Guerre mondiale a effectivement stoppé le cubisme en tant que mouvement organisé, avec un certain nombre d'artistes, dont Braque, Lhote, de la Fresnaye et Léger, appelés au service. De la Fresnaye a été libéré en 1917 en raison de la tuberculose. Il ne s'est jamais complètement rétabli, tentant de continuer à faire de l'art mais mourut en 1925.

En 1917, Picasso a repris sa pratique consistant à injecter plus de réalisme dans ses peintures, bien que son refus d'être épinglé signifie que le cubisme est réapparu dans certaines œuvres au fil des ans, telles que Les trois musiciens (1921) et La femme qui pleure (1937), une réponse à la guerre civile espagnole.

Braque poursuit son expérimentation. Son travail ultérieur présentait des éléments du cubisme, bien que notés pour moins de rigidité dans les abstractions des sujets et utilisant des couleurs qui ne reflètent pas la réalité de la nature morte.

INFLUENCE CUBISTE

Bien que le cubisme n'ait jamais retrouvé sa place en tant que force organisée dans le monde de l'art, sa vaste influence s'est poursuivie dans les mouvements artistiques comme le futurisme, le constructivisme, l'expressionnisme abstrait et d'autres.

Le cubisme a également influencé d'autres formes; en littérature, James Joyce, Virginia Woolf, Gertrude Stein et William Faulkner ; en musique, Igor Stravinsky ; en photographie Paul Strand, Aleksandr Rodchenko et László Moholy-Nagy ; dans le film Hans Richter et Fritz Lang ; ainsi que la conception graphique et la conception scénique.

Sources:

Cubisme. Musée d'art métropolitain.
Histoire de la peinture Tudor en 1000 reproductions en couleurs. Robert Maillard, éditeur.
L'histoire de la peinture. Sœur Wendy Beckett et Patricia Wright.
L'art dans le temps : une histoire mondiale des styles et des mouvements. Phaidon.
Le cubisme : une nouvelle vision. Ninón Rodriguez, Miami Dade College.


Comment le cubisme a-t-il changé au cours du 20e siècle ?

L'histoire de l'art a beaucoup changé au début du 20e siècle. La Première Guerre mondiale a affecté cette transition et changé le processus, car de nombreux artistes ont essayé d'exprimer leurs sentiments d'une manière différente pendant la guerre. Le cubisme primitif se retrouve dans les œuvres de Paul Cézanne et sa vision simplifiée de la nature dans son art. Cézanne influencé à la fois Picasso et Braque avec son art et sa voie ouverte pour que le cubisme évolue.

Picasso's Les Demoiselles d'Avignon L'œuvre d'art ouvre une nouvelle page du cubisme et devient la pierre angulaire de la première révolution de l'art du 20 e siècle. Peinture réalisée entre 1906-07 et considérée comme les premières signatures de la « pensée cubiste ». Picasso a été définitivement impressionné et influencé par Paul Cézanne's Baigneuses à partir d'une tente, avec le calme du sujet et la perspective utilisée dans l'œuvre d'art. Il a ensuite utilisé cette approche dans Les Demoiselles d'Avignon alors qu'il créait une perspective différente en utilisant des nus féminins tridimensionnels et l'espace bidimensionnel comprenant des ornements dans la pièce.

Paul Cézanne, Baigneuses devant une tente, 1883-85, Staatsgalerie Stuttgart

En plus de cela, quand Guillaume Apollinaire (1880-1918) introduit Picasso à Georges Braque qui déjà submergé par le Les Demoiselles d'Avignon, en 1907, le cubisme complète ses précurseurs. Une amitié précoce influencée Braque produire l'image Grand Nu en 1908. Alors que les pionniers prenaient la tête de l'histoire du cubisme en 1910, les artistes cubistes se divisaient en deux groupes nommés cubistes de la galerie (Braque et Picasso) opposés aux cubistes du salon (Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Albert Gleizes et Jean Metzinger). Cette séparation a été déclenchée lorsque Picasso refusé d'exposer dans les salons pour ses œuvres et Braque suivi sa décision par la suite, aussi.

Georges Braque, Grand Nu, 1907-08, Paris, Musée national d'art moderne

Première ère du cubisme (1906/1907-09) discréditée également par ces deux peintres qui ont changé le sujet principal dans les œuvres car il n'imite plus la nature mais ils ont créé leur propre réalité. Il a continué le cubisme analytique formé par Picasso et Braque. Leurs motifs ne sont pas seulement représentés sous différentes perspectives simultanément, mais sont également fragmentés en formes plus petites, ce qui leur permet de devenir des pièces maîtresses d'un tout physique.

Pablo Picasso, Fille à la mandoline, 1910, New York, The Museum of Modern Art

Cependant avec le début de la Première Guerre mondiale, la situation des artistes changea beaucoup. De nombreux artistes de cette époque étaient encore jeunes et la plupart enrôlés pour le service militaire. La communication entre eux a été perturbée et le cubisme en tant que style artistique indépendant a été perdu dans la confusion de la Première Guerre mondiale.


Cubisme de salon : concepts, styles et tendances

Cubisme de cristal

Pendant la Première Guerre mondiale, le style de Jean Metzinger a évolué vers ce qu'on a appelé le cubisme de cristal, qui s'est épanoui après la guerre. Considéré comme faisant partie du "retour à l'ordre" de l'époque, le terme "Cubisme de cristal" trouve son origine dans le critique d'art français Maurice Reynal. Metzinger Soldat à une partie d'échecs (1914-15), avec ses multiples plans de couleurs simplifiés et plats, met l'accent sur ce que l'historien de l'art Christopher Green a appelé les « qualités ordonnées » et la « pureté autonome » de la structure géométrique et abstraite du cubisme de cristal. L'accent dans Crystal Cubism était sur la peinture en tant qu'objet en soi, comme Green l'a décrit plus loin, « une insistance résolue sur l'isolement de l'objet d'art dans une catégorie spéciale avec ses propres lois et sa propre expérience à offrir, un catégorie considérée au-dessus de la vie."

Metiznger avec Juan Gris, qui avait été étroitement associé à la fois au cubisme de Picasso et Braque et aux cubistes du salon, a popularisé ce nouveau style. Fonctionne comme celui de Gris Portrait de Josette Gris (1916) a utilisé une palette monochrome simplifiée avec des plans géométriques superposés. Léger et Gleizes et d'autres cubistes du salon, dont les sculpteurs Laurens et Lipchitz, se sont également tournés vers le cubisme de cristal. Green soutient que le cubisme de cristal était la forme la plus influente que le cubisme a prise, écrivant : « En termes de volonté moderniste d'isolement esthétique et du vaste thème de la séparation de la culture et de la société, c'est en fait le cubisme après 1914 qui apparaît comme le plus important. à l'histoire du modernisme."

Orphisme

Bien que l'orphisme ait commencé vers 1911 lorsque les travaux et la théorie de Robert et Sonia Delaunay ont convergé avec les travaux de František Kupta, il a été officiellement lancé en 1912. Fenêtres simultanées série (1912-1913) et celle de Kupka Amorpha : Fugue en deux couleurs (1910-1911) exemplifie l'approche qui, comme l'écrivait Delaunay, « ne dépendrait que de la couleur et de son contraste mais se développerait au fil du temps perçu simultanément à un seul moment ». Le poète et critique d'art Apollinaire a utilisé pour la première fois le terme d'orphisme à la Section d'Or de 1912, et par conséquent, l'orphisme a été considéré comme un sous-mouvement, se développant à partir du cubisme. Mais Delaunay rompra par la suite avec le Groupe Puteaux et, sentant que son Fenêtres simultanées ont été une percée artistique majeure, se décrit lui-même comme "l'hérétique du cubisme". Les Delaunay sont devenus les principaux praticiens de l'orphisme et, alors que leur travail mettait l'accent sur les motifs géométriques, souvent dans des plans fracturés, la couleur et non la forme était à la base des compositions de plus en plus abstraites.

L'orphisme a influencé des artistes ultérieurs comme Paul Klee dans ses formes de couleurs abstraites et le développement de l'abstraction, à la fois dans ses styles géométriques et lyriques. L'art op de Bridget Riley, Richard Anuskiewicz et Wen-Ying Tsai a été influencé par l'accent mis par l'orphisme sur la couleur pour créer de la profondeur et du mouvement. Les travaux de conception de Sonia Delaunay, basés sur les principes de l'orphisme, ont eu un large impact sur toute la mode et le design d'intérieur, car son idiome orphique est devenu une partie de la conscience publique.


Cubisme Art: Technique & Histoire

Avant le vingtième siècle, l'art était reconnu comme une imitation de la nature. Les peintures et les portraits ont été conçus pour être aussi réalistes et tridimensionnels que possible, comme s'ils étaient vus à travers une fenêtre. Les artistes peignaient dans le style flamboyant du fauvisme.

Le postimpressionniste français Paul Cézannes a aplati les natures mortes et les sculptures africaines ont gagné en popularité en Europe occidentale lorsque les artistes sont partis à la recherche d'une nouvelle façon de montrer leurs idées et d'exprimer leurs points de vue.

En 1907, Pablo Picasso a créé le tableau Les Damsoilles d'Avignon, représentant cinq femmes dont les corps sont construits de formes géométriques et de têtes de masques africains plutôt que de visages.

Cette nouvelle image est devenue connue sous le nom de « cubisme ». Le nom provient du critique Louis Vauxcelles, qui après avoir passé en revue l'exposition de l'artiste français et confrère cubiste Georges Braque a écrit sur les « Bizzeries Cubiques », et que les objets « avaient été réduits en cubes (Arnheim, 1984).

Le cubisme a changé la façon dont l'art était représenté et perçu. Picasso, avec Braque, a présenté un nouveau style de peinture qui a montré le sujet sous plusieurs angles différents simultanément.

Le résultat visait à montrer l'objet dans une vue plus complète et plus réaliste que l'art traditionnel, pour donner le sentiment de pouvoir se déplacer dans la peinture.

« Le cubisme a abandonné les notions traditionnelles de perception, de préfiguration et de modélisation et visait à représenter la solidarité et le volume dans un plan tridimensionnel sans convertir de manière illusoire la toile bidimensionnelle en un espace d'image tridimensionnel » (Chivers, 1998).

Picasso et Braque ont été les pionniers du mouvement et ont travaillé si étroitement ensemble qu'ils ont eu du mal à distinguer leur propre travail. Ils se sont appelés Orville et Wilbur, sachant que leurs contributions à l'art étaient tout aussi révolutionnaires que le premier vol (Hoving, 1999). Le cubisme était divisé en deux catégories.

Le cubisme analytique, à partir de 1907, a présenté visuellement ce que l'artiste pensait être important sur le sujet plutôt que de simplement l'imiter. Les parties du corps et les objets de l'image ont été décomposés en formes géométriques reconnaissables à l'orge comme l'image originale. Braque a écrit que « les sens se déforment et l'esprit forme ».

Le cubisme analytique a limité l'utilisation de la couleur à des teintes simples et ternes afin que l'accent soit davantage mis sur la structure. Cézanne disait : « La nature doit être manipulée avec le cylindre, la lance et le cône » (Miki, 1976). Les formes peintes devaient être disséquées, analysées séparément, puis reconstruites pour former un nouvel ensemble.

Le résultat devait être une vision intellectuelle plutôt que spontanée. « Le but du cubisme analytique était de produire une image conceptuelle d'un objet, par opposition à une image optique » (Harden, 1999). Vers 1912, le cubisme analytique a atteint un point où il menaçait d'aller au-delà de la compréhension visuelle du spectateur.

À cette époque, Picasso et Braque ont adopté une approche différente en remplaçant des parties des images de choses réelles par des signes et des symboles abstraits. Dans les échelles de taille du cubisme synthétique n'avait plus d'importance dans la peinture de Picasso Les trois musiciens, la main d'un homme jouant de la guitare serait de deux pouces tandis que la guitare elle-même mesurait deux pieds.

La couleur vive et flashy est revenue. Le cubisme synthétique est crédité de la création du collage. Picasso a réalisé le premier collage à l'aide de papier décoratif et de mots et d'images découpés dans du papier journal et des partitions collées sur du bois pour créer l'image d'une guitare. D'autres artistes ont commencé à utiliser du sable, de la corde et même des miroirs pour symboliser les choses.

De cette façon, le cubisme synthétique est revenu légèrement à la méthode conventionnelle de représentation réaliste des objets et la forme des objets est devenue plus facile à reconnaître. Le cubisme a suscité l'intérêt des critiques qui avaient des opinions mitigées. Un critique a vu une peinture de Picasso représentant un violon et a déclaré qu'il considérait que c'était une insulte à l'intelligence des téléspectateurs de croire qu'un violon ressemblerait à ça.

Daniel-Henry Kahnweiler, marchand d'art parisien et ami de Picasso et Braque qui soutenait le cubisme, a distribué des pamphlets faisant la promotion du « nouveau look » de la réalité et de l'art (Robinson, 1995).

Après avoir visionné un portrait d'elle fait par Picasso, Gertrude Stein lui dit : « Je ne ressemble pas à ça ». Il m'a répondu : « tu le feras ». Elle écrira plus tard : « c'est la seule reproduction de moi qui est toujours moi, pour moi » (Schaffner, 1998). D'autres artistes ont rapidement adopté le style. Juan Gris a été l'un des premiers à copier le cubisme et l'a amené au-delà de la France dans son Espagne natale et dans d'autres pays.

Au printemps 1911, le salon parisien Des Indépendance commence à collectionner les œuvres des peintres cubistes locaux et organise une exposition mettant en vedette Jean Metzinger, Fernand Léger et Robert Delaunay. C'était la première grande exposition du cubisme. En 1913 et 1914, tant d'artistes à Paris s'étaient tournés vers le cubisme qu'il était temporairement devenu le langage universel de la peinture d'avant-garde (Arnheim, 1984).

Des artistes de Chine, de Russie et d'Amérique du Sud ont compris et ont commencé à expérimenter différentes formes de cubisme. Aaron Douglas et Stuart Davis ont introduit le style en Amérique en 1912, bien que leur interprétation ne soit pas aussi abstraite que ce qui se faisait en Europe à l'époque.

En 1913, le Midtown Armory de New York a accueilli une exposition qui a attiré de grandes foules. Le cubisme est devenu l'influence dominante dans le monde de l'art de New York jusqu'en 1918.

Le début de la Première Guerre mondiale marque le déclin du cubisme en Europe. Braque et de nombreux autres artistes ont été appelés à se battre. Après avoir été blessé par des éclats d'obus, la peinture de Braques n'a plus jamais été la même. La guerre a tué de nombreux amis avec lesquels Picasso a collaboré. La communauté qui entourait le cubisme était terminée. Le cubisme a ouvert la voie à d'autres nouvelles idées radicales en peinture.

Dada, le surréalisme et l'art déco ont suivi après 1918. Ceux-ci montraient encore des objets de manière symbolique mais dans un semblant réaliste, plus traditionnel. Picasso a expérimenté de nouveaux styles de peinture, il s'est essayé au surréalisme mais s'est tourné vers un style classique en 1920. Picasso a également commencé à concevoir des décors et des costumes de théâtre.

En 1937, la guerre civile espagnole éclata entre les républicains et les fascistes sous le règne du général Franco. Picasso a été invité par les républicains à peindre une fresque pour le pavillon espagnol à l'Exposition universelle de Paris. Il voulait que l'œuvre exprime les horreurs que l'homme peut faire subir à son prochain. En avril de la même année, des avions allemands sous les ordres des Francos ont bombardé le petit village de Guernica dans la campagne sud française de Braque (Schaffner, 1998).

Après avoir entendu parler de la destruction totale causée par l'attaque, Picasso est revenu au cubisme et a terminé la pièce Guernica. Prenant l'influence de Goya, la peinture montrait les habitants de la ville à l'agonie de leur perte.

Sur le côté, une mère pleure sur son enfant mort tandis qu'au centre un cheval meurt douloureusement. Cela deviendra son tableau le plus célèbre. Le cubisme a redéfini l'art au XXe siècle.

Il a réussi à donner aux gens une perspective différente avec laquelle regarder la réalité et a suscité de nouvelles émotions. Le cubisme a établi une nouvelle norme pour ce qui est accepté comme une œuvre d'art. « L'art n'avait plus besoin d'être esthétiquement juste ou agréable pour être un chef-d'œuvre » (Hoving, 1999).

Cela a également ouvert la voie à d'autres artistes pour tester de nouveaux styles qui auraient été considérés comme trop peu orthodoxes auparavant. Le cubisme incarnait vraiment l'expression "l'art est dans l'œil de celui qui regarde".

Bibliographie

Arnheim, Rodolphe. Art et perception visuelle, une psychologie de l'œil créatif. Los Angelas : University of California Press, 1984. Arnheim, Rudolf. Pensée visuelle. Los Angelas : University of California Press, 1984. Chilvers, Ian, Harold Osborne, Dennis Farr. Le dictionnaire d'art d'Oxford. New York : Oxford University Press, 1988. Hoving, Thomas. L'art pour les nuls. Foster City California : IDG Books Worldwide, 1999. Miki, Tamon. Qu'est-ce que le cubisme ? Musée national d'art moderne, Tokyo. www.cubistic.com. 29 novembre 1999. Robinson, Walter. Histoire de l'art instantanée, de l'art rupestre au pop art. New York : Publications visuelles de presse de Bryon, 1995. Schaffner, Ingrid. L'essentiel Picasso. New-York : Harry

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Auteur : William Anderson (Équipe éditoriale de Schoolworkhelper)

Tuteur et écrivain indépendant. Professeur de sciences et amateur d'essais. Article révisé pour la dernière fois : 2020 | Établissement St-Romarin © 2010-2021 | Creative Commons 4.0


Top 7 des œuvres du cubisme.

Guernica de Picasso (1937)

Guernica sera toujours en tête de liste, n'importe quel jour, n'importe quand ! C'est une huile sur toile qui est considérée comme l'une des peintures anti-guerre les plus puissantes de l'histoire et qui a contribué à attirer l'attention sur la guerre civile espagnole. Cette œuvre est sans aucun doute la peinture la plus populaire de Picasso, même si elle est fortement liée à sa période surréaliste, elle est toujours liée à son style cubiste distinct.

Bouteille Et Poissons De George Braque (1910-1912)

Braque a représenté à la fois des bouteilles et des poissons et dans ses peintures tout au long de sa carrière, le peintre a beaucoup aimé peindre des bouteilles et des poissons et cette peinture particulière qui fait partie de la phase de cubisme analytique contient ses deux sujets préférés. C'est une huile sur toile au design très simple et c'est l'une de ses peintures les plus remarquables.

Portrait De Picasso Par Juan Gris (1912)

Juan Gris après avoir créé cette peinture est devenu reconnu comme un cubiste établi. À l'époque, son œuvre était la première œuvre cubiste créée sans l'influence de Braque ou de Picasso. Il représente l'artiste Pablo Picasso à un jeune âge, les cheveux toujours en place, tenant une palette et enfilant un costume. Il y avait un niveau de propreté dans le travail de Gris qui serait plus tard rejeté car les artistes cubistes produisaient des peintures plus désorganisées et Gris se séparait avec une géométrie plus systématique.

Violon Et Palette Par George Braque( 1909)

Cette huile sur toile fait partie des développements ultérieurs du cubisme, de l'ère du cubisme analytique et d'une rupture avec le fauvisme. La peinture est comme une nature morte sous forme abstraite et bien que le violon et la palette soient visibles, ils sont brisés et représentés avec d'autres formes angulaires. C'est l'une des œuvres les plus appréciées de George Braque et a été au cœur du développement du mouvement cubiste.

Les Demoiselles d'Avignon de Picasso (1907)

Cet ouvrage a sans doute vu la fin du fauvisme et établi le début du cubisme. Bien que cela ait été jugé immoral et à l'époque, dans cette œuvre, Picasso a mis de côté la perspective et a utilisé un plan d'image en 2 dimensions divisé en fragments géométriques. C'était une grande source d'inspiration pour Braque et a été tracée comme la source de leur collaboration et du développement du mouvement artistique du cubisme.

Les trois musiciens de Picasso (1921)

C'est le titre de deux huiles sur toile similaires de Picasso. Il reprend le style du cubisme synthétique et a un aspect de papier découpé. Il met l'accent sur les couleurs vives, les formes angulaires et les motifs plats et constitue une nature morte. C'est un parfait exemple du style cubiste de Picasso et c'est le deuxième tableau le plus connu de Picasso. Les deux versions de cette peinture peuvent facilement figurer sur notre liste des 7 meilleures œuvres cubistes, mais quelle que soit la version que vous préférez, cette œuvre d'art est un véritable représentant du mouvement cubiste.

L'Homme au balcon (1912) d'Albert Gleizes

Le dernier mais non le moindre de notre liste des 7 meilleures œuvres cubistes est une grande peinture à l'huile d'Albert Gleizes intitulée « Homme sur un balcon ». Étant également un fondateur du cubisme, Gleizes démontre les principes du cubisme dans cette œuvre d'art exceptionnelle. L'artiste a intentionnellement créé un contraste de formes angulaires et courbes, tandis que les formes en bloc de la figure et de la tête tirent leur forme du principe du cubisme.

Le cubisme reste l'un des mouvements artistiques les plus influents connus. Il a changé un large éventail d'idées en ce qui concerne l'art dans les années 1910 et 1920. Il a également permis le développement de mouvements d'art moderne abstrait. Il a défié les règles de l'art et s'est avéré être l'une des plus grandes ruptures de l'histoire de l'art.

Prenez l'innovation, vous aussi pouvez essayer quelque chose de nouveau. Peut-être que vous avez été bloqué sur d'autres mouvements artistiques et que vous avez cherché à en savoir plus sur le cubisme, je suis sûr que ce post a été utile.

Le cubisme est une excellente façon de s'amuser avec l'art. Tout ce que vous avez à faire est de lâcher votre peur comme Picasso l'a fait et d'explorer !


Cubisme

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Cubisme, style d'arts visuels très influent du 20e siècle qui a été créé principalement par les artistes Pablo Picasso et Georges Braque à Paris entre 1907 et 1914. Le style cubiste a souligné la surface plane et bidimensionnelle du plan de l'image, rejetant les techniques traditionnelles de perspective, raccourcissement, modélisation et clair-obscur et réfutant les théories séculaires selon lesquelles l'art devrait imiter la nature. Les peintres cubistes n'étaient pas tenus de copier la forme, la texture, la couleur et l'espace. Au lieu de cela, ils ont présenté une nouvelle réalité dans des peintures qui représentaient des objets radicalement fragmentés.

Le cubisme tire son nom des propos tenus par le critique Louis Vauxcelles, qui décrivait avec dérision l'œuvre de Braque de 1908. Maisons à L'Estaque comme étant composé de cubes. Dans la peinture de Braque, les volumes des maisons, les formes cylindriques des arbres et la palette de couleurs beige et vert rappellent les paysages de Paul Cézanne, qui ont profondément inspiré les cubistes dans leur première étape de développement (jusqu'en 1909). C'était pourtant Les Demoiselles d'Avignon, peint par Picasso en 1907, qui présageait le nouveau style dans cette œuvre, les formes de cinq nus féminins deviennent des formes fracturées, anguleuses. Comme dans l'art de Cézanne, la perspective est rendue par la couleur, les bruns rougeâtres chauds progressant et les bleus froids reculant.

Le développement du mouvement de 1910 à 1912 est souvent appelé cubisme analytique. Au cours de cette période, le travail de Picasso et de Braque est devenu si similaire que leurs peintures sont presque indiscernables. Les peintures cubistes analytiques des deux artistes montrent la décomposition ou l'analyse de la forme. Picasso et Braque privilégiaient la construction à angle droit et en ligne droite, bien que parfois certaines zones de leurs peintures semblent sculpturales, comme dans celle de Picasso. Fille avec une mandoline (1910). Ils ont simplifié leurs schémas de couleurs à une échelle presque monochromatique (les teintes de bronzage, de brun, de gris, de crème, de vert ou de bleu étaient préférées) afin de ne pas détourner le spectateur de l'intérêt principal de l'artiste - la structure de la forme elle-même. La palette de couleurs monochromatiques était adaptée à la présentation de vues complexes et multiples de l'objet, réduites à des plans opaques et transparents superposés. Ces plans semblent se déplacer au-delà de la surface de la toile plutôt que de reculer en profondeur. Les formes sont généralement compactes et denses au centre d'une peinture cubiste analytique, s'élargissant à mesure qu'elles diffusent vers les bords de la toile, comme dans le tableau de Picasso. Portrait d'Ambroise Vollard (1909-10). Dans leur travail de cette période, Picasso et Braque combinaient fréquemment des motifs figuratifs avec des lettres. Leurs motifs préférés étaient les instruments de musique, les bouteilles, les pichets, les verres, les journaux et le visage et la figure humains.

L'intérêt pour ce sujet s'est poursuivi après 1912, au cours de la phase généralement identifiée comme le cubisme synthétique. Les œuvres de cette phase mettent l'accent sur la combinaison, ou la synthèse, des formes dans l'image. La couleur assume un rôle fort dans ces œuvres dont les formes, tout en restant fragmentées et plates, sont plus larges et plus décoratives. Les surfaces lisses et rugueuses peuvent être contrastées les unes avec les autres, et fréquemment des matériaux étrangers, tels que des journaux ou des emballages de tabac, sont collés sur la toile en combinaison avec des zones peintes. Cette technique, connue sous le nom de collage, accentue encore les différences de texture et, en même temps, pose la question de ce qu'est la réalité et de ce qu'est l'illusion.

Bien que Picasso et Braque soient crédités de la création de ce nouveau langage visuel, il a été adopté et développé par de nombreux peintres, dont Fernand Léger, Robert et Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes et Jean Metzinger. Bien que principalement associé à la peinture, le cubisme a également exercé une profonde influence sur la sculpture et l'architecture du XXe siècle. Les principaux sculpteurs cubistes étaient Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon et Jacques Lipchitz. L'adoption de l'esthétique cubiste par l'architecte suisse Le Corbusier se reflète dans les formes des maisons qu'il a conçues dans les années 1920.

Les rédacteurs de l'Encyclopaedia Britannica Cet article a été récemment révisé et mis à jour par Alicja Zelazko, rédactrice adjointe.


Début de la peinture cubiste (c.1907-9)

Si poussé, la plupart des historiens de l'art diraient que le mouvement connu sous le nom de cubisme a commencé en 1907 avec la photo de Picasso Les Demoiselles d'Avignon (MOMA, NY). Ce travail a marqué le début d'une phase exploratoire, au cours de laquelle Picasso et Georges Braque se sont réunis pour établir un certain nombre de principes nouveaux et importants de l'art moderne.

Cette collaboration ne s'est pas faite du jour au lendemain : ce n'est qu'en 1908 que les deux artistes ont noué une relation de travail intime ("deux alpinistes encordés"), basée sur les idées de Paul Cézanne (1839-1906) - notamment exprimée dans son chef-d'œuvre Les Grandes Baigneuses (Les Grandes Baigneuses) (1894-1905) - qui a conduit à l'invention du premier cubisme analytique (c.1909-1912) puis du cubisme synthétique (1912-14).

Les Demoiselles d'Avignon (1907)
(Détail)
MOMA, New York.
Le premier vrai tableau cubiste de Picasso.
Composé de primitivisme à part entière,
mélangé avec des géométriques fracturés
éclats de figures déconstruites.

Route près de L'Estaque (1908)
Musée d'Art Moderne, New York.
par Georges Braque.

Comment Picasso a-t-il découvert le cubisme ?

During his first year or so in Paris, Picasso worked in a manner close to that of Toulouse-Lautrec but bursting everywhere with restlessness, as if impatient to shift into a new direction. This was swiftly followed by his "blue period" which transitioned into his "rose period". But with the restlessness of an explorer or an inventor, Picasso changed again at the end of 1906 in a way that is important as an early step toward Cubism. He began to discipline his graceful figures into new sculptural forms with an imposition of decisive geometrical regularities. Evident to begin with in Lady with a Fan (1905, Private Collection), the new discipline is even more emphatic in Woman with Loaves (1906, Philadelphia Museum of Art), with its geometrical solids built firmly upon one another into a compact whole. The ovoid form of the torso is surmounted by the white cylinder of the cap, which is pierced to reveal the simplified sculptural forms of the head. The two loaves of bread rest on top of this structure like architectural members surmounting a column.

GEOMETRIC ABSTRACTION
For a guide to concrete and
non-objective art, see:
Abstract Paintings: Top 100.
For a list of important styles,
see: Abstract Art Movements.

TWENTIETH CENTURY ARTISTS
For a quick reference guide,
see: 20th Century Painters.

Woman with Loaves was painted in the summer of 1906 (despite the date 1905, added in error beneath the signature). Earlier that year Picasso had begun a Portrait of Gertrude Stein (1906, Metropolitan Museum of Art, New York), the American writer who had set herself up in Paris a few years earlier and had already become a major patron, proselytizer, and practitioner in the international intellectual avant-garde. After eighty sittings Picasso had wiped out the face of her portrait. Whatever the face had been like, it is obvious that in the rest of the picture Cezanne is very much present. When Picasso returned to the picture after the summer interval during which he painted Woman with Loaves, the new force at work in his art produced the masklike face which is so at variance with the Cezannesque forms that surround it. Dans son Self Portrait (1906, Philadelphia Museum of Art) painted immediately afterward, the masklike quality has increased, and its severe half-primitive quality has extended to the figure also.

By his own statement, in Woman with Loaves, the Stein portrait, and his own portrait, Picasso was influenced by the archaic sculpture of pre-Roman Spain. But the two portraits show that he had already discovered African sculpture also. At any rate the ingredients for Cubism were now assembled. These were: the painting of Paul Cezanne, with his concept of volume and space as abstract geometry to be dealt with at whatever necessary rejection of their natural relationships primitive art, that is, African and archaic sculpture with their untheoretical but exciting reduction of natural forms to geometrical equivalents and, finally, the intuitive genius of Picasso and the deductive mind of Braque to merge these components with dashes of several others in their search for new expressive means.

This new expression was soon to have a name, Cubism, and to be codified into a theory. But for the moment it manifested itself half formed, in 1907, in a large painting by Picasso which, although technically ambiguous, is decisively the beginning point of Cubism. A composition involving five female nudes, the traditional bathers motif, it was later dubbed Les Demoiselles d'Avignon as a joke, and has continued by that name as a convenience.

Everyone admits that these five 'demoiselles' are among the unloveliest females in the history of art, and no one pretends that Les Demoiselles d'Avignon (1907, MOMA, New York) is an unqualified success in every way, but on the other hand no student of 20th century painting denies its position as a landmark. It is a discordant picture, not only in the way it ruptures, fractures, and dislocates form with a violence that would probably have appalled Cezanne, but in the disharmony of its own parts. On the left the standing figure is hieratic in its formality, posed in a standard attitude of Egyptian sculpture. But by the time the right side of the picture is reached, this formality has given way to a jagged, swinging, crashing line, and the African mask makes its impact with full force in the grotesque faces.

As it was, the year 1907 was exceptionally stimulating for Picasso. He was in the middle of his African or Negro period (1906-7), during which he was absorbing the aesthetics of African tribal art - a process which as we have just seen culminated in Les Demoiselles d'Avignon, as well as oils like Diriger (1907, Barnes Foundation), Bust of a Woman (1907, MoMA, NY) and Nude (Bust) (1907, Hermitage, St Petersburg). Other vivid examples of his 'African' paintings of the time include: Woman with a Fan (1907, Hermitage, St Petersburg) and Dance of the Veils (Nude with Drapery) (1907, Hermitage, St Petersburg). In 1908, he continued with the primitivist style of Les Demoiselles, executing a number of ethnic-style works with well-modelled, angular bodies. Ils comprennent: Seated Woman (1908, Hermitage, St Petersburg), Dryad (1908, Hermitage, St Petersburg), and Farm Woman (Full-Length) (1908, Hermitage, St Petersburg). Only in his mid/late-1908 works such as Friendship (1908, Pushkin Museum, Moscow) and Three Women (1908, Pushkin Museum), does the influence of Cezanne begin to emerge.

How Did Braque Arrive at Cubism?

At the start of 1907, Braque was known as a member of Fauvism, the high-fashion style of colourism which had burst onto the Parisian art world in 1905. However two events in 1907 would rapidly change his life. First, he was bowled over by the major Cezanne retrospective, at the Salon d'Automne. Second, his dealer Daniel-Henry Kahnweiler introduced him to Apollinaire and Picasso. Braque visited the latter at his studio in the tumbledown Bateau Lavoir complex in the Rue Ravignan, Montmartre, where he was profoundly impressed by Les Demoiselles. Indeed, he was so taken with it, that he abandoned Fauvism and spent the next six months working on a new picture - Large Nude (1908, Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou) - which required him to transform his whole method of painting.

Unlike Picasso, however, Braque moved directly directly from his Large Nude to more overt Cubist imagery (in the manner of Cezanne), namely his landscapes at L'Estaque. So by late 1908, stylistically he was fractionally ahead of his Spanish partner.

The developmental period of Cubism, 1907-1909, is often called its "Cezanne phase," on the basis of pictures like Braque's Road near L'Estaque (1908, Museum of Modern Art, New York), with its combination of geometrical simplification and faceted shapes. But despite the geometrics, the picture is, in spirit, anything but Cezannesque. The shapes themselves are bolder and more obvious than Cezanne's, and they have a nervousness, an insistence, a thrust, a harsh, angular movement that exaggerates the sense of vibrant life typical of a Cezanne landscape, and sacrifices to it the classical order that also permeates Cezanne's world.

Picasso and Braque: Collaboration (1908-9)

In 1908, by now both deeply intrigued by Paul Cezanne's geometric-style landscapes, Picasso and Braque set about extending their mentor's ideas. First, they completed a series of landscape paintings that were very similar to those by Paul Cezanne. Thus all natural forms were reduced to basic geometric shapes and the colour palette was predominantly subdued blues and greens. (Picasso still maintained his keenness for his warmer ochres and siennas). They painted houses in the form of 3-D cubes: Braque at L'Estaque Picasso at Horta del Ebro in Spain. It was these paintings that the French art critic Louis Vauxcelles was describing in 1909, when he used the expression 'bizarreries cubiques' - which led to the adoption of the word Cubism.

Theory of Cubism
The first treatise on the new style, entitled Du Cubisme (1912), written by Albert Gleizes and Jean Metzinger, was published in 1912, to coincide with the Section d'Or exhibition of Cubist art at Galerie La Boetie in Paris.

Conventions of Perspective Rejected

In this early phase of prototype-Cubism, Picasso and Braque utilized several technical devices to undermine the illusion of space. To begin with, they rejected all the normal conventions of linear perspective. Instead of diminishing size signifying background, perspective was rendered by means of colour: warm reddish browns were used for foreground, cool blues for background. Buildings appear one on top of the other instead of standing one behind the other. Dans Houses on the Hill (1909, MoMA), Picaso used similar cubic-shaped imagery for his background and foreground (houses). By rendering earth and sky in the same way, he introduced greater unity to the picture but also introduced ambiguity: after all, there was now less difference between ground and air.

Multiple Sources of Light

Another technique used by both Braque and Picasso in their early Cubist art, involved the use of different light sources. Whereas traditional pictures employ a consistent light source (to create the illusion of three-dimensional space), in Cubist canvases light appears to enter the composition from numerous different angles thus confusing the viewer as to whether shapes are convex or concave.

Greatest Early Cubist Paintings

In addition to works already cited, here is a short selected list of early Cubist pictures, executed in the manner of Cezanne, which can be seen in some of the best art museums around the world.

Georges Braque
Viaduct in Estaque (1908) Musee National d'Art Moderne.
Houses at L'Estaque (1908) Kunstmuseum, Bern.
Road Near L'Estaque (1908) Museum of Modern Art, MoMA, New York.
Large Nude (1908) Musee National d'Art Moderne.

Pablo Picasso
House in a Garden (1908) Hermitage Museum, St Petersburg.
Little House in a Garden (1909) Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow.
Houses on the Hill (1909) Museum of Modern Art, New York.
Fruit in a Vase (1909) Hermitage Museum.
Woman with a Fan (1909) Pushkin Museum.
Brick Factory at Tortosa (1909) Hermitage Museum.

Note: Picasso's most famous late Cubist paintings include: Guernica (1937, Reina Sofia Art Museum, Madrid) and Weeping Woman (1937, Tate, London).

For works by other Cubists, see Cubist Painters.

• For a list of schools and styles, see Modern Art Movements.
• For styles of painting and sculpture, see: Homepage.


Late Cubism

Art became even more abstract after 1914. Artists now began to emphasize overlapping planes and flat surfaces. Crystal Cubism, as it became, was created by artists who desperately needed to escape the realities of the Great War.

Soldier at a Game of Chess by Jean Metzinger

Though many artists continued to push through with Cubism, it started to decline after 1925. As a result of a shift towards more conservative values, artists dropped the bold colors and shapes for more conservative French styles. Today, it remains a major influence on modern art history.

Three Musicians by Pablo Picasso


Cubist Sculpture

The cubist sculpture has the same aesthetics as the pictorial sculpture and also has the same objectives, the difference is that the cubist works in three different dimensions. The sculpture is characterized by the simultaneity of the perspectives, by the intersection of the volumes, the decomposition of the formes and the new appreciation of the matériaux.


Listen to William S. Rubin's views, whether it was Braque or Picasso, who invented Cubism and the influence of Paul Cézanne

WILLIAM S. RUBIN: It's sometimes asked whether it was Braque who invented Cubism or Picasso who invented Cubism. And I think there's no single answer to this, in part because there's no single definition for Cubism.

Two major sources of Cubism were the Africanism of Picasso, that is, the art which Picasso had made in 1907 and early 1908 that was influenced by tribal models of art, and, perhaps even more important, the art of Cezanne. I think you could say that to the extent that you feel that Cezanne's model was the germinal element in Cubism, Braque was a little bit more its inventor than Picasso. On the other hand, it is hard to imagine Cubism ever having been created had not Picasso painted "Les Demoiselles d'Avignon" in 1907 and in one painting, so to say, swept away the whole 19th-century tradition. Moreover, Picasso made a number of pictures deeply influenced by Cezanne also. And it's very difficult to pick apart in the years 1908 and 1909 just how much it is Braque and how much it is Picasso that are responding to these things. I think we can say that what is extraordinary about it is that such elements as Africanism, so to say, the tribal type of art that Picasso leads into Cubism with, and Cezanne would seem to be totally unmixable. And yet the two fuse in some way in the crucible of the painting of 1908. And that's part of what is remarkable about the history of early Cubism.


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